作品在初步成型之后，需要通过打磨、抛光等工序，
树化木化石原石珠宝首饰是一个相对传统的行业，在中国市场中，人们对材质价值的判断也比较保守，对于复合材料或者可持续材料更加难以接受，因此李和熹与潘秋果的可持续珠宝作品需要挑战的是珠宝行业的固有价值认知。在英国学习珠宝设计期间，李和熹与潘秋果开始了解当代艺术珠宝与传统珠宝的差异，传统珠宝更讲究材质价值，而当代艺术珠宝更注重表达设计师的思想和态度，设计师通过首饰与不同的人沟通交流，用设计理念传递故事，引导人们关注更深层次的价值。
李和熹与潘秋果希望自己的珠宝作品摆脱传统材质的束缚，她们尝试用新的表达形式，将可持续的玉石材料作为设计语言呈现出她们的思想和态度。在李和熹与潘秋果的设计中，相较于深层地表开采的材料，采用了陨石和化石等无需开采的原料，对环境的损害会降低很多，也更具有可持续的价值。同时也有以黑色碳纤维为主要材质的作品，这种材料在一定条件下可以通过自然降解，减少对生态环境的影响。李和熹与潘秋果还运用实验室培育钻石和回收金属，她们认为实验室培育钻石是一项很伟大的发明，因为天然钻石需要通过破坏生态环境的方式挖掘开采，而实验室培育钻石节省了人力、物力等资源，其表现形式与天然钻石完全一样。这些新材料对于当代消费者来说可能更具价值观层面的吸引力，让受众关注生态问题和珠宝制作过程中的可持续措施，给人们带来了更多的选择。李和熹与潘秋果使用的新材料在珠宝行业中颇具挑战性，切割新材料，并将之与金属结合是最大的难点。掌握传统工艺的工匠没有见过陨石、化石等这些材料，也缺少将这些材料用于珠宝首饰制作的经验。一方面，切割新材料的形状不规则，无法直接套用模具，因此工匠需要不断测试新材料的韧性和硬度，才能切成需要的形状和厚度，因而珠宝制作前期的测试损耗率比较高。另一方面，碳纤维与金属的结合也比较困难，李和熹与潘秋果在制作前期都是与工匠们一起测试和修改设计稿，大概花费半年的时间才最终把想要的作品形式确定下来。在新材料的运用中，两位设计师找到了针对这些材料的独特设计风格，比如使用的陨石和化石中，每一个花纹都是独一无二的，李和熹与潘秋果尝试将作品做成极简的几何框架，勾勒出像画框一样的形式去表现核心材料，更好地向消费者展现材料的独特性。而可降解碳纤维和钻石一样含有碳元素，可造性很高，李和熹、潘秋果：可持续珠宝的时代意义李和熹与潘秋果让钻石在碳纤维表面推起皱褶，碳纤维的哑光纹理也形成层叠的视觉形态，就像水面泛起波澜的效果。在两位设计师看来，可持续材料创作的首饰的收藏价值和当代艺术品别无二致，一款作品可以是对社会现象的反映，也可以是对某一种思想理念的反馈，这些都是艺术领域的价值，而大众会喜欢这种理念或者新材料的触感所带来的创新设计。每一个时代都会出现新的材料，这些新材料承载了时代记忆，而可持续材料首饰就是对我们当下这个时代的意义。
天眼珊瑚化石项链LE POON玉石文化有着悠久的传统历史和令人惊叹的多样性，它的独特之处不仅体现在种类的丰富，更蕴含在多元的艺术表现形式中，变幻莫测的魅力和全新的表现形式需要我们与艺术家一同探寻。
侯泰：与玉石“协奏”和田玉、翡翠、南红、黄龙玉、彩玉、玉髓……在玉雕师侯泰眼中，玉石的色彩不仅仅是一种简单的视觉感受，更有它们自己的语言和生命，色彩的明暗、冷暖、浓淡，都反映着玉石不同的情绪。侯泰认为好的玉雕作品是没有过度修饰的，玉雕工艺宜精不宜多，需要尊重、珍惜每一块玉石原料，根据原料不同的色彩和质地，匹配与它韵味相符的设计元素，在不过度施加技艺的前提下，展现玉石最自然本真的美感。侯泰有着长达8年的学徒生涯，两位师傅分别从不同层面影响了他的玉雕创作，一位强调传统工艺技法，注重基础打磨；另一位则强调设计理念和创意表达，重视如何将情感融入作品。在后期创作中，侯泰结合两位师傅的精髓，以扎实的传统工艺与个人情感表达相结合，使作品更富有灵性和现代感，在玉雕艺术中展现了属于自己的独特演变与创新。
侯泰擅长通过玉石材料本身的特质，解构并重塑中国传统玉雕中的图腾、符号与造型，他认为雕刻艺术最考验玉雕师的功力是对节奏与韵律的掌控，要通过雕刻简单的点、线、面等细微表现，赋予作品最大程度的情感和生命力，因此，侯泰也更喜爱选择温润自然质感的原料，在尊重材料本身特质的同时，追求原始美感。他认为每块玉石都有自己独特的语言，玉雕师的干预应该是辅助而非主导，这样创作出来的作品才更具备独特的美感。自然界没有两块一模一样的石头，玉雕作品也有着它的唯一性和无法复制性，即便相似的材料，质地和颜色的细微变化都会有着不同的雕刻效果，侯泰正是在这些细微的差别中，与玉石一同唱出“既雕既琢，复归于朴”的协奏曲。
李筱雨：石镶石
童年时期拥有的岫玉手镯，成为艺术家李筱雨了解东方文化的最初窗口，在《石镶石》系列作品中，她也选择了这种有着丰富自然纹理的岫玉作为主要材料——岫玉代表着家乡、自然土地和情感寄托，也是她对家乡的原始依恋。
《石镶石》系列作品根植于传统工艺，完美结合中国传统玉雕技艺和欧洲传统宝石切割与镶嵌工艺，李筱雨认为传统工艺不仅仅是不同文化的标志，更是对思考过程的记录，不同文化背景下的玉石作品都在讲述着东方与西方的传统工艺，艺术家在“以石镶石”的过程中，探索多元文化之间的碰撞。
戴毓辰：展现玉的纯粹与包容
从外表上看，艺术家的作品与传统玉雕的思维范式和审美追求是背道而驰的，甚至可能被认为施以了“错误”的加工方法，使玉石处于随时被击碎的风险之中。但是，戴毓辰通过穿孔的动作，用冷酷的介质与温润的玉石材料对话，将艺术家个人的经历与玉石的纯粹、包容的特质联系在一起，他的作品既是诚实的、反映当下的，也是接纳所有人的、没有成见的。在中央美术学院首饰系学习时，一次云南瑞丽的实地“写生”经历，启发了戴毓辰对玉的迷恋和痴醉，在这座被称为“玉城”的传统小镇，他第一次接触到了玉雕的入门学习，让他对材料的源头有了亲身的了解。玉作为一个抽象的文化材料，在他的眼前实体化，成为一块块具体的玉饰作品，而玉石作为材料媒介，又紧紧地和“首饰”这个概念捆绑在了一起。
戴毓辰追求在创作中探索与当下衔接的话题。在他看来，玉作为亚洲的文化精髓，对文化的影响是深入血脉的，尽管艺术家本人的求学经历给他带来了丰富的创作体验和文化碰撞，但玉石材料随时都在帮他把作品拉回到首饰的语境里。无论身在何处，我们都可以看到不同的文化给一块“绿色石头”注入的不同精神，“我喜欢亚洲的玉，也喜欢新西兰的玉”，在这个文化包容的时代，不管是身在亚洲还是在欧洲，不管是热衷于玉石，还是本身没有特别的文化共情，都可以通过作品的物质属性达成共通的联结——观者触摸到一块切割精准、抛光细腻的玉石作品，很难不产生爱怜。一块玉石被挖掘出来之前在泥土中是什么样的？人类赋予了精美的玉石作品无限的价值，它们被做成玉镯、佛牌、挂坠......但这些都是人类自身的想法，并非玉石的本意。艺术家张泽灏试图还原玉石的自然生长过程，让它们重新在大地泥土中肆意生长。
张泽灏：玉石的“自主选择”
张泽灏将来自不同原料的破碎玉镯拼接在一起，不在乎产地、净度、水色这些人类赋予的价值衡量体系，在保留原生状态和破碎质感的同时，与水泥、砂石、草木等元素重组，通过非常规造型的玉石作品，来进一步探索一块玉石材料的生命力。自由和束缚总是对立的。对于玉石来讲，它们也有权利变成它们想变的造型，或者随机与任何介质相连接。当我们淡化人类强加于玉石材料的传统样貌，大胆地将玉石“抛回”大自然时，在玉石材料的自然张力背后，或许可以看到更多的可能性。
李汶霏：连理李汶霏《连理》系列作品不仅是中国“德”文化的象征，也是一次交叉结构试验，艺术家提取汉代画像砖中的“木连理”植物穿插结构，运用数字四维雕刻技术，结合玉石材料，以创新的形态展现出传统与现代碰撞的“德”文化意象。艺术家试图通过作品去探讨“自我”与“生命的本真”这些哲学概念，她选择传统文化中象征着连接和交融的“木连理”植物结构，来代表人与人之间的紧密关系，又通过玉石与金属的交织，传达更深层次的情感和联系。在质疑当代社会对个人的塑造，以及从而产生的自我观念是否真实的同时，将作品带出的思考，触及更广泛的观众共鸣和人生体验。《连理》系列作品运用了数控自动化雕刻技术，使作品有着更高的细致度和复杂性。数字雕刻作为李汶霏主要尝试的工艺手段，贯穿了整个创作过程。相对于传统雕刻而言，数字雕刻能够快速复制，且有着高效的生产能力，但也有丧失一定工艺价值的风险，但对李汶霏而言，选择数字雕刻并非仅仅追求高效率的生产工具，而是在试图将技术作为表达设计理念的媒介，在艺术家的掌控下，以不同的材料、尺寸，或者是金属部分的衔接等细节，更深入地探索玉石工艺和材料。
